Dimitri Shostakovich

     Shostakovich recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, pianista profesional, a una edad que se puede considerar relativamente tardía, los nueve años. Ante sus grandes progresos, en 1919 ingresó en el Conservatorio de Leningrado, en donde tuvo como principal maestro a Aleksandr Glazunov. Huérfano de padre desde 1922, Shostakovich proseguía sus estudios al mismo tiempo que, para mantener a su familia, tocaba en diversas salas de cine como pianista acompañante.

   A partir de ahí, las vicisitudes de Shostakovich con el régimen soviético y su destino histórico han sido innumerables y muy influyentes en su música. Breves textos explicarán cada fragmento, siempre que sea posible en las palabras del propio Shostakovich, sacadas en su mayor parte, de la biografía de Krzystof Meyer.

DIMITRI SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

1.  1922  Suite para Dos Pianos, op.6 - Preludio - Introducción

2.  1924  Scherzo, op.7, para Orquesta

3.  1925  Sinfonía nº1, op.10 - Allegro ma non Troppo

4.  1928 ‘La Nariz’,op.15a (Ópera) - Canción de Iván

5.  1929  Sinfonía nº3, op.20 - Largo

6.  1931 ‘El perno’, op. 27a (Ballet) - Danza de los Cocheros

7.  1932 'Lady Macbeth de Mtsensk', op.29 (Ópera) - Fragmento del Acto IV

8.  1932 'Hamlet', op.32a (Música para Teatro) - Marcha Fúnebre

9.  1934  Suite de Jazz nº1, op.38 - Foxtrot

10.1937  Sinfonía nº5, op.47 - Adagio - Penúltima sección

11.1938  Cuarteto de Cuerda nº1, op.49 - Allegro Molto

12.1941 ‘Los Jugadores’ (Ópera inconclusa) - Fragmento

13.1943  Sinfonía nº8, op.65 - Adagio - Primera sección

14.1944  Cuarteto de Cuerda nº2, op.68 - Tema con Variaciones 

                 Tema y Recapitulación

15.1947  Concierto para Violín, op.77 - Burlesco

16.1948 ‘De la Poesía Popular Judía’, op.79 (Ciclo de Canciones) 

                 Lamento por el Niño Muerto

17.1951  24 Preludios y Fugas, op.87 - nº7

18.1953  Sinfonía nº10, op.93 - Allegro

19.1955 ‘El Tábano’, op.97 (Música para Cine) - Gallop

20.1958 ‘Moscú-Tcherkominski’, op.105 (Opereta) - Canción de Sergei

21.1960  Cuarteto de Cuerda nº8, op.110 - Allegro Molto

22.1964  Cuarteto de Cuerda nº9, op.117 - Adagio

23.1966  Cuarteto de Cuerda nº11, op.122 - Recitativo-Adagio

24.1969  Sinfonía nº 14, op.135 - Conclusión

25.1970 ‘El Rey Lear’, op.137 (Música para Cine) - Agua - 1ª Sección

26.1971  Sinfonía nº15, op.141 - Allegretto Final

27.1973  6 Romanzas sobre Poemas de Marina Tsvetaeva, op.143a 

                 El Poeta y el Zar

28.1975  Sonata para Viola y Piano, op.147 - Moderato - Sección Final      

mp3 a 320 kbps + docs:

https://mega.nz/#!zBN0yQxD!qnOMOLV9GfI7kmqN188SLcXxByv2kPDasqgFox6lgFU

Suite in F-Sharp minor (Folke Gräsbeck, Alexander Zelyakov)

Scherzo for Orchestra in E flat major (USSR Ministry of Culture Symphony Orchestra, Gennady Rozhdestvensky)

Symphony no.1 (London Philharmonic Orchestra, Bernard Haitink)

The Nose Suite (L.A. Philharmonic, Esa-Pekka Salonen)

Symphony no.3 (London Philharmonic Orchestra, Bernard Haitink)

Bolt (Russian State Symphony Orchestra, Dmitry Yablonsky)

Lady Macbeth of Mtsensk (London Philharmonic Orchestra, Mstislav Rostropovich)

Gamlet Suite (Gothenburg Symphony Orchestra, Neeme Järvi)

Jazz suite no.1 (Royal Concertgebouw Orchestra, Ricardo Chailly)

Symphony no.5 (Royal Concertgebouw Orchestra, Bernard Haitink)

String Quartet no.1 (Brodsky Quartet)

The gamblers (Academic Symphony Orchestra of Leningrad State Philharmonic Society, Gennady Rozhdestvensky)

Symphony no. 8 (¿)

String Quartet no.2 (Brodsky Quartet)

Violin concerto (Maxim Vengerov, London Symphony Orchestra, Mstislav Rostropovich)

From Jewish Folk Poetry (Elisabeth Söderström, Ortrun Wenkel, Royal Concertgebouw Orchestra, Bernard Haitink)

24 Preludes and Fugues (Keith Jarrett)

Symphony no.10 (London Philharmonic Orchestra, Bernard Haitink)

The gadfly (Philadelphia Orchestra, Riccardo Chailly)

Moscow-Cheryomushki (English adaptation, Young Friends of Opera, Carmel Carroll)

String Quartet no.8 (Brodsky Quartet)

String Quartet no.9 (Brodsky Quartet)

String Quartet no.11 (Brodsky Quartet)

Symphony no.14 (Julia Varady, Dietrich Fischer-Dieskau, Royal Concertgebouw Orchestra, Bernard Haitink)

King Lear (Rundfunkchor Berlin, Berlin Radio Symphony Orchestra, Michail Jurowski)

Symphony no.15 (Royal Concertgebouw Orchestra, Bernard Haitink)

Six Poems of Marina Tsvetaeva (Ortrun Wenkel, Royal Concertgebouw Orchestra, Bernard Haitink)

Viola Sonata (¿)

1: SUITE PARA 2 PIANOS – 1922 – Op.6


"Dijeron que el mayor acontecimiento de mi vida fue la marcha hacia la estación de Finlandia en abril de 1917, cuando Lenin llegó a Petrogrado. Algunos compañeros de clase y yo conseguimos alcanzar al gentío que bajaba hacia la estación. Pero no recuerdo nada especial. Si me hubieran dicho con antelación qué clase de luminaria estaba llegando, habría puesto más atención, pero tal como sucedió, no recuerdo mucho.

Recuerdo otro incidente con más claridad. Tuvo lugar en febrero del mismo año. Estaban dispersando a una multitud en la calle. Y un cosaco mató a un muchacho con su sable. Fue terrorífico. Corrí a casa, a contar a mi familia lo sucedido.

Había camiones por todo Petrogrado, llenos de soldados, que disparaban. En aquellos días, era mejor no salir a la calle."

Dmitri Shostakovich



2: SCHERZO – 1924 – 0p.7


El joven compositor demostró su excepcional talento en su Scherzo en mi bemol mayor, dedicado a Piotr Riasanov. Esta partitura refleja la maestría que ya había alcanzado tanto en la instrumentación como en su sentido de la forma y el ritmo. Debe señalarse que Shostakovich conocía la música de Stravinsky (se percibe netamente la influencia de petrushka) y la del primer Prokofiev, pero resulta mucho más decisivo el hecho de que en este scherzo aparezcan muchas de sus características personales, como por ejemplo su preferencia por el humor excéntrico, por lo grotesco y por la utilización intencionada de frases banales.

Esta obra dio lugar al primer enfrentamiento entre Shostakovich y su maestro Steinberg, que le acusaba de buscar a toda costa la originalidad y de dilapidar su talento. En efecto, Steinberg quería verlo como continuador de la tradición rusa, y no como su nuevo destructor –tras Stravinsky y Prokofiev-, como compositor de sospechosas tendencias modernistas.

Krzysztof Meyer


"Glazunov me dio, en una ocasión, un buen consejo acerca del scherzo sinfónico como parte de una sinfonía. Pensaba él que el objeto principal del scherzo era interesar al oyente, y todo debía servir a ese fin –melodía, ritmo y textura-. Todo debía ser atractivo en el scherzo, y aún más importante, inesperado. Era un buen consejo y posteriormente yo he dicho a mis estudiantes algo parecido."

Dimitri Shostakovich


3: SINFONÍA Nº1 – 1925 – Op.10


La primera sinfonía en fa menor es una pieza instrumental en cuatro movimientos perfectamente clásica. Como era su obra de examen de fin de carrera, Shostakovich tuvo que atenerse a las formas tradicionales de expresión del sinfonismo ruso, lo cual, por otra parte, no pareció resultarle demasiado difícil ni constreñirlo en sentido alguno. Cierto es que el estricto director Glazunov le propuso algunas correcciones y, sobre todo, requirió que cambiase un pasaje de los vientos cuya armonización le resultaba demasiado atrevida. Antes de concierto, sin embargo, Shostakovich volvió a cambiar el pasaje: después de todo, ¡ era su sinfonía !.

La sinfonía posee una gran riqueza de gestos y parece contarnos una historia (aunque también se entiende a la perfección como una obra “puramente musical”). Crea diversos cuadros y los contrasta entre sí. Por asociación se va formando una especie de hilo argumental, como si estuviera compuesta para una película. En sus años de estudiante, Shostakovich se ganaba la vida como pianista acompañante en el cine, y no cabe duda de que eso lo influyó. Aun así, la rígida estructura de la sinfonía lo engloba todo con gran coherencia en un nivel más amplio.

El material temático surge a partir de la relación entre los diversos movimientos. Lo que viene después es básicamente una alternancia entre un pasaje lírico y otro marcial (de acuerdo con el esquema clásico: primer tema “masculino”, segundo tema “femenino”), con la particularidad de que el pasaje “masculino” y guerrero da fe de una masculinidad y un arrojo que rayan en lo jocoso: alguien sale de expedición, dispuesto a conquistar el mundo...

Bernd Feuchtner




"Ayer mi sinfonía resultó muy bien. Se percibía la complicidad entre el compositor, el director, la orquesta y el auditorio. El éxito fue enorme. La sala estaba llena. El público aplaudió largo tiempo y tuve que saludar cinco veces. Todo salió extraordinariamente bien...Todo sonó perfectamente...Todavía estoy aturdido: por la sinfonía, por la interpretación, por el éxito, en una palabra, por todo."

Dmitri Shostakovich


4: LA NARIZ (Ópera) – 1928 – Op.15 a


No sé por qué, pero nada más concluir mis estudios en el conservatorio me asaltaron de repente dudas sobre mi vocación de compositor. Era incapaz de componer y en un arrebato de decepción destruí casi todos mis manuscritos. La pregunta era: ¿seré pianista o compositor?

Dmitri Shostakovich


La crisis duró casi un año, prácticamente hasta finales de 1926.(...). La sonata para piano, los aforismos y la sinfonía nº2 constituyeron para Shostakovich un brillante campo de ensayo y de experimentación en el que logró acumular experiencias. Sin embargo, su ambición aspiraba a escalas superiores. Quería crear un lenguaje original dentro de la música contemporánea y medir sus fuerzas en una gran forma, preferiblemente en una ópera.

El sarcasmo y la ironía de la narración de Gogol se reflejan en la partitura de la ópera en forma de unos procedimientos ilustrativos poco comunes. En determinados pasajes la parte de la nariz ha de cantarse con la nariz tapada; el efecto del trote de caballos se logra uniendo la celesta con la percusión; el arpa, el violín solo y un grupo de instrumentos de madera imitan el hipo de los bebedores. Finalmente los sonidos de flageolet de los contrabajos ilustran el afeitado de Kovaliov. Las principales características de esta ópera son la extravagancia, la caracterización desmesurada y la deformación de los procedimientos tradicionales. Está además la complejidad del lenguaje musical: multiplicidad de estratos politonales o incluso ruptura llamativa de toda tonalidad, ritmos y métrica difíciles y una polifonía inusualmente rica.(...) En el contexto de estas considerables innovaciones se comprenden menos los sonidos aparentemente banales que aparecen ocasionalmente, los motivos o armonías simples y gastados y las seudorreminiscencias de cualquier índole. Encontramos marchas grotescas, galops cómicos, una polca alegre y una pieza vocal con acompañamiento de balalaika. Todo ello crea una atmósfera sonora irrepetible.

Krzysztof Meyer



"Querido Sajar Lubinski: sin duda ninguna mi carta le sorprenderá. El compositor de la ópera la nariz le hace un ruego singular. El compositor de la ópera la nariz se dirige a usted para pedirle la retirada inmediata del repertorio de la ópera la nariz.

Me resulta muy desagradable formularle esta petición, pero tras madura reflexión me he decidido a hacerlo. La nariz ha sido un fracaso. La nariz ha cumplido en su momento y ahora puede retirarse de la escena. Estoy convencido de que la nariz es una de mis obras más logradas. La vía recorrida con la nariz es la verdadera. Pero si la nariz no tiene la acogida que me gustaría que tuviera, hay que retirarla de la programación. Si tiene usted dudas de la rectitud de mi solicitud le ruego que me las comunique; iré personalmente o expondré mis motivos con más detalles. Le reitero una vez más mi sincero agradecimiento por haber hecho posible que la nariz subiera al escenario. Pero ahora le ruego que retire mi ópera de la programación. Con mis mejores saludos, D. Shostakovich.

P.S: Guárdese para usted esta carta y la solicitud que contiene."



5. SINFONÍA Nº3 – 1929 – Op.20


...la obra constituye la mezcla más extraña de un gusto pésimo y ordinario y de un talento mal dirigido.

Gerald Abraham


Como siempre hay en ella ideas notables, pero la obra tiene muy poca cohesión, es angulosa e inconsistente y con frecuencia a dos voces; ahora bien, las dos voces dan resultado cuando se dispone del don de la melodía, que es justamente el punto débil de Shostakovich.

Boris Assafiev


En la unión soviética la sinfonía nº3 se interpretó sólo en dos ocasiones. Como sucedió con la sinfonía nº2, a mediados de los años 30 se le imputaron los cargos de abstraccionismo, de formalismo y de experimentalismo estéril.

Krzysztof Meyer


“De otra parte, el retrete no puede apropiarse de toda la escena. “El alba de una nueva era” y toda la música celestial sentimentaloide son despreciables. Pero escarbar en medio de la mierda también es despreciable. ¿Qué elección nos queda?.

Yo elijo la verdad. Y quizá es desesperanzador y erróneo, porque la verdad siempre trae problemas e insatisfacciones. Los ciudadanos injuriados aúllan que has herido sus más nobles sentimientos y que no has tocado las más finas cuerdas de su alma exaltada.”

Dimitri Shostakovich




6. EL PERNO (Ballet) – 1931 – Op.27 a (suite).


“Glazunov insistía en que la composición de ballets era benéfica porque desarrollaba tu técnica. Posteriormente aprendí que también en eso tenía razón.”

Dmitri Shostakovich



El perno contiene música en un estilo muy simplificado. La historia toca un tema muy extendido en aquella época: el miedo al espionaje enemigo. Hasta qué punto el extranjero capitalista podía estar interesado en sabotear la construcción del Estado socialista en lugar de sacar partido para sí, o si acaso lo estaba realmente, es muy discutido. En cualquier caso, el Partido emprendió una campaña contra “toda actividad contraria al Estado” que rayaba en la histeria. En el ballet se descubren felizmente las perversas maquinaciones de unos cuantos indeseables, pero también se hacen patentes algunos fenómenos negativos de la vida cotidiana en el socialismo a través de caricaturas muy plásticas: “el burócrata”, “el oportunista” o “el trepa” son los títulos de algunos números.

Bernd Feuchtner



Desde que Stalin descubriera la carismática fuerza de su personalidad y su música, Shostakovich llevó una vida casi tan pública como la de las estrellas de pop de nuestros días. Por otra parte, esta vida bajo la luz de los focos condujo a que la inmensa mayoría se formase una idea equivocada respecto a lo que tenía realmente de pública. Shostakovich pronunció numerosos discursos y desempeñó una serie de cargos oficiales. A la masa del pueblo, aquellos discursos debían resultarle igual de serios que los de otros funcionarios del gobierno, pero en el mundillo de los músicos era bien sabido que eran otros quienes se los escribían, y que Shostakovich los leía con el tono más monótono posible.

Bernd Feuchtner



El estreno tuvo lugar el 8 de abril de 1931 y se saldó con un rotundo fracaso. La crítica reprochó a los autores su indiferencia frente a las grandes ideas, su formalismo y otros pecados similares. El fracaso de El perno dio lugar a duros ataques contra su compositor. Así llegó a afirmarse que era incapaz de escribir algo para la escena. Los músicos no le comprendían y chocaba frecuentemente con la resistencia indudable de las orquestas y de los directores. En la prensa fueron apareciendo críticas negativas sobre sus nuevas obras, a las que se acusaba de elitistas.

Krzysztof Meyer



7. LADY MACBETH DE MTSENK (Ópera)-1932-Op.29


...embriagadoramente soberbia, aunque en ocasiones la música resulta fatigante. La instrumentación es excepcional, aunque es tan poderosa como la de Jean Francaix (las trompetas suenan sin interrupción).

Nikolai Miaskovski


Lady Macbeth significó un éxito enorme –y sin paralelo- para una obra contemporánea. Shostakovich fue saludado como un genio. [Durante cuatro años se representó un número de veces no conocido por ninguna otra ópera rusa.] Y entonces, el desastre. Stalin fue a ver Lady Macbeth y abandonó el teatro hecho una furia. El 28 de Enero de 1936, un devastador editorial, “Caos en lugar de música” apareció en el órgano oficial del partido, Pravda, dictado de hecho por Stalin.

Solomon Volkov


El oyente se ve confundido, desde el primer momento de la ópera, por una corriente intencionada de sonidos, desmañada y turbulenta. Trozos de melodía, embriones de frases musicales, son sofocados, parecen escapar, y una vez más se ven anegados entre golpes, crujidos y chillidos. Seguir esta “música” es difícil, recordarla es imposible.

Fragmento del citado editorial del Pravda


"Para mi música ésta puede haber sido la época más feliz, no hubo nada parecido antes o después. Antes de la ópera yo era un muchacho que podía ser zurrado y después fui un criminal de Estado, siempre bajo observación, siempre bajo sospecha. Pero en aquel momento todo era, comparativamente, muy bueno. O, para ser más exactos, todo parecía ser muy bueno."

Dimitri Shostakovich



8. HAMLET (Música para la obra teatral)-1932-Op.32 a


"Meyerhold me propuso que yo escribiera una ópera sobre Hamlet, que él también planeaba producir. Aunque puedo imaginarme qué habríamos conseguido por hacer Hamlet, dado que las ideas de Meyerhold sobre el tema eran tan erróneas como era posible según el signo de los tiempos. Los dos habríamos sido acusados de formalismo.

Es una pena que aquel tema no saliera adelante con Meyerhold. Al final, terminé escribiendo música para otro Hamlet, quizá para el más formalista de todos. Tengo muy mala suerte con ese formalismo. Se planea un proyecto artístico, se me pide que sea el compositor, y luego siempre hay un escándalo. Debe ser el destino."

Dmitri Shostakovich


Formalismo en arte es la expresión de la ideología burguesa, que es hostil al pueblo soviético. El Partido no cesará en su vigilante lucha, ni por un momento, contra cualquier manifestación, aunque sea por un minuto, de formalismo.

Declaración del Partido



9. SUITE DE JAZZ Nº1 – 1934 – Op.38


"Algunas de la ideas de Meyerhold arraigaron en mí por entonces, y resultaron ser importantes y útiles. Ésta, por ejemplo: tienes que esforzarte por hacer algo nuevo en cada obra, de forma que cada nueva obra aturda. Hay que marcarse una nueva meta técnica en cada obra. Meyerhold seguía esta regla suya con testarudez maníaca. Hoy, tal regla puede parecer un lugar común, pero en aquellos días, en ese tiempo, para mí significaba un gran descubrimiento. Nunca se nos había enseñado algo así. En el conservatorio, la regla era: ¿así que compones? Bien, sigue adelante, del modo que te plazca. Desde luego, sigue ciertas reglas, pero nada más que eso.

Y esto lleva a la segunda regla, a la segunda lección de Meyerhold. Te debes preparar para cada nueva composición. Examinar una buena cantidad de música, investigar –quizá ya hubo algo similar en los clásicos-. Entonces, tú debes tratar de hacerlo mejor, o al menos, a tu manera."

Dmitri Shostakovich


10. SINFONÍA Nº5 – 1937 – Op.47


La sala estaba abarrotada y el público esperaba impaciente el estreno. Dominaba una atmósfera ávida de sensaciones...

El triunfo fue delirante. Durante el Finale se pusieron en pie muchos oyentes, uno tras otro fueron levantándose de sus asientos. Los aplausos duraron más de media hora.

A. Glumov


El público permanecía en la sala y expresaba así su solidaridad con un artista al que la prensa no dejaba de calumniar y que todavía no había sido rehabilitado oficialmente desde los agresivos ataques de Pravda. Pero aquel entusiasmo ocultaba algo más: para los rusos, cuya percepción de la música está frecuentemente asociada a la idea de un programa y que suelen buscar en la música contenidos extramusicales, la fuerza dramática de la sinfonía nº5 expresaba su propia historia, la historia de su vida y de la tragedia de los últimos años.

Krzysztof Meyer


“Shostakovich ha sabido desarrollar lo mejor de su talento. La obra está llena de sentimientos auténticos y vivos. El compositor ha sabido superar todas las tentaciones a las que con tanto fervor se rindió en sus obras anteriores. El lenguaje de la sinfonía nº5 es sencillo y claro, y a la vez profundamente original. Quien haya escuchado esta obra sabe que, como gran artista soviético, el compositor no ha incurrido en sus anteriores fallos y ha iniciado un camino totalmente distinto.”

Dmitri Kabalevski


La sinfonía nº5 no es una obra de búsqueda. Shostakovich realizó en ella una selección radical de los medios, que utilizó con enorme cautela y apoyándose en ejemplos formales tradicionales.

Exceptuando el Scherzo, todos sus movimientos contienen una gran carga de emocionalidad y reflejan un carácter trágico que hasta ese momento sólo había aparecido en el último acto de Lady Macbeth o en la sinfonía nº4 (que no llegó a estrenarse). A partir de ahora muchas de sus obras se caracterizarán por un pathos que se inscribe en la tradición de Beethoven y de Tchaikovski.

Krzysztof Meyer


11. CUARTETO DE CUERDA Nº1 – 1938 – Op.49


Durante mucho tiempo, Shostakovich no se enfrentó a la técnica del cuarteto de cuerdas. Se decidió a ello en la primavera de 1938, en un instante de relajo entre la sinfonía nº5, cuyo éxito le procuró alguna libertad, y sus innumerables músicas para el cine, trabajos para ganarse la vida que, por otra parte, le valieron el apoyo, no explícito, de Stalin. No obstante, le resultaba difícil recogerse en la música de cámara, y especialmente en el cuarteto de cuerdas, cuando la propaganda socialista prescribía expresarse para la masa. Hoy se sabe que a Shostakovich le importaban poco estos problemas políticos, y que se había propuesto no abordar el cuarteto hasta después de haber estudiado a los maestros, en particular Haydn y Beethoven.

François-René Tranchefort (ed.)


“Cuando terminé la sinfonía nº5 me pasé un año sin hacer nada. Compuse únicamente un cuarteto, que consta de cuatro movimientos. Me puse a escribir sin ninguna idea especial ni ningún sentimiento concreto, convencido de que no iba a salir nada. En efecto, el cuarteto es uno de los géneros musicales más difíciles. Escribí la primera página como una especie de ejercicio que no pensaba acabar ni publicar...Pero el trabajo me sedujo tanto que compuse el resto con una rapidez increíble. No habría que buscar una profundidad especial en mi primer cuarteto. Es alegre, festivo y lírico. Yo lo calificaría de ‘primaveral’”

Dimitri Shostakovich





12. LOS JUGADORES (Ópera inacabada) 1941


‘Los jugadores’ es la segunda pieza que Shostakovich compone basándose en una obra de Gogol (después de ‘La Nariz’). Él quería escribir una nueva ópera que conservase la pieza teatral completa y sin cortes, así el libretto era una copia palabra por palabra del texto.


“Habría escrito aproximadamente una séptima parte de la ópera, y entonces me dí cuenta de que la música duraba ya más de media hora, y decidí que continuar no tenía sentido”

Dimitri Shostakovich



13. SINFONÍA Nº 8 – 1943 – Op.65


Shostakovich escribió que, con esta obra, había querido hacer el retrato espiritual de un hombre al que el terrible martillo de la guerra ha dejado conmocionado y cuyo destino se ha unido al de la masa del pueblo: “Este hombre debe superar terribles pruebas y catástrofes hasta alcanzar la victoria. Cae una y otra vez; una y otra vez vuelve a levantarse. Su camino no está sembrado de rosas, no lo acompañan alegres tamborileros”. Al final no hay ninguna victoria –pues en nuestros días ya no hay victoria posible-, sólo un rayo de esperanza. Shostakovich describió el dolor y el horror de ese modo tan claro para que nadie los olvidara, para que revivieran cada vez que alguien tocase la obra. El público hizo honor al compositor y se mostró conmovido y entusiasmado. La burocracia, por el contrario, criticó duramente la octava sinfonía por ser pesimista y formalista. Apenas volvió a tocarse.

Bernd Feuchtner


14. CUARTETO DE CUERDA Nº2 – 1944 – Op.68


“Creo que el peligro más grande para un compositor es la pérdida de fe. La música, y el arte en general, no pueden ser cínicos. La música puede ser amarga y desesperada, pero no cínica. Y, en este país, a la gente le gusta confundir el cinismo con la desesperación. Si la música es trágica, dicen que es cínica. He sido acusado de cinismo más de una vez, e incidentalmente, no sólo por los heterócratas gubernamentales. Los Igors y Borises entre los musicólogos de nuestro país añadieron sus dos céntimos al tema. Pero la desesperación y el cinismo son diferentes, del mismo modo que el aburrimiento y el cinismo son diferentes. Cuando un hombre está desesperado, eso quiere decir que todavía cree en algo.”

Dimitri Shostakovich



15. CONCIERTO PARA VIOLÍN – 1947 – Op.77


El concierto no pudo estrenarse en 1948 por la proscripción general de Shostakovich. Por tanto permaneció archivado siete años y probablemente hubiese estado archivado más tiempo de no haber viajado Oishtrak a Estados Unidos y de no haber insistido el empresario norteamericano en que el célebre virtuoso se presentase con la nueva obra, cuya existencia se conocía por informaciones que años atrás habían traspasado las fronteras. Al debilitarse ligeramente la guerra fría y al extender la Unión Soviética los contactos con occidente, incluído el ámbito cultural, se autorizó el estreno del concierto para violín en Leningrado y su publicación tras la triunfal acogida que se le dispensó en América.

Krzysztof Meyer


Cuando yo tenía dieciocho años, siendo estudiante, Prokofiev vino al conservatorio. Al acabar el primer ensayo me quedé hablando con él y le dije: “Maestro, quiero estudiar orquestación. ¿Qué tratado me recomienda que compre, el de Berlioz?”, y Prokofiev me contestó: “Muchacho, no te compres ningún libro: consíguete mejor la partitura de cualquier sinfonía de Shostakovich y estúdiatela, eso es mejor que cualquier tratado de instrumentación”. A la recíproca, le puedo decir que, años más tarde, yo estaba ensayando la primera sinfonía de Shostakovich en presencia de éste, y le comenté, hablando de ese maravilloso recitativo de violas y violonchelos en el último movimiento: “¡Qué hermosa melodía ha escrito usted!”, y él me dijo: “ Sí, es cierto, pero esas cosas siempre le salieron mejor a Prokofiev; para él escribir una bella melodía no representaba ningún problema, mientras que para mí supone un esfuerzo”.

Yuri Andronovitch



16. DE LA POESÍA POPULAR JUDÍA – 1948 Op.79


“Pienso que, si hablamos de impresiones musicales, he de decir que la música popular judía me ha causado una de las impresiones más poderosas. Nunca me canso de deleitarme en ella, es multiforme, puede parecer ser feliz mientras es trágica. Hay casi siempre risa entre las lágrimas.

Esta cualidad de la música popular judía es cercana a mis ideas de lo que debe ser la música. Siempre debería haber dos capas en la música. Los judíos fueron atormentados durante tanto tiempo que aprendieron a esconder su desesperación. Expresaban la desesperación en la música de danza.“

Dimitri Shostakovich



En tres números consecutivos de la revista, Marian Koval criticó la obra de Shostakovich sin dejar títere con cabeza. A partir de entonces, sólo se podían tocar la Quinta y la Séptima sinfonías, si bien esta última había sido también muy criticada. Shostakovich perdió sus fuentes de ingresos. Su esposa, Nina, retomó su trabajo como científica en un instituto de investigación… en Armenia. El propio Shostakovich volvió a dar numerosos conciertos como pianista, como ya había hecho durante la guerra.

Bernd Feuchtner


17. 24 PRELUDIOS Y FUGAS – 1951 –Op.87


Los preludios y fugas no llevan la marca de la armonía mayor-menor tradicional en la música europea occidental sino la de las escalas tonales habituales en la música popular y religiosa rusa de las que en el siglo XX se sirvieron con notables efectos los representantes del “poderoso grupúsculo”, sobre todo Mussorsgski. Se comprenden perfectamente los esfuerzos de Shostakovich por establecer relaciones estrechas con la tradición cuando se piensa en la fecha de composición de esta obra, sin duda una de las más difíciles tras los artículos en 'sovietskaia muzyka'. Cada avance de cierta audacia comportaba el peligro de críticas implacables, que en cualquier caso recayeron sobre algunas fugas y preludios escritos en un lenguaje no convencional y con mínimas vinculaciones con el pasado.

Krzysztof Meyer



18. SINFONÍA Nº 10 –1953 –Op.93


En 1953, Stalin murió, dejando al país en un shock. La Unión Soviética comenzó a cambiar, cautelosamente y tanteando, pero en una dirección que la intimidada intelligentsia nunca se habría permitido soñar -esto es, para mejor y no para peor-. Comenzaba el “deshielo”. Un enorme poder mundial se hallaba en un cruce de caminos; y muchos seres humanos se vieron también en ese cruce.

Solomon Volkov


"Yo no podía escribir una apoteosis para Stalin, simplemente no podía. Sabía lo que estaba haciendo cuando escribía la novena. Pero describí a Stalin en música en mi siguiente sinfonía, la décima. La escribí inmediatamente después de la muerte de Stalin, y nadie ha adivinado de qué trata la sinfonía. Trata de Stalin y de los años de Stalin. La segunda parte, el scherzo, es un retrato musical de Stalin hablando rudamente. Desde luego hay otras muchas cosas en ella, pero ésta es la base."

Dimitri Shostakovich



19. EL TÁBANO (partitura cinematográfica)-1955-Op.97


"En cuanto a mí no hay nada de nuevo. Y de bueno todavía menos. Pero lo más triste es que prácticamente no he escrito nada después de la sinfonía nº10. Pronto voy a empezar a sentirme como Rossini, quien, como es sabido, escribió su última obra a los 40 años. Y llegó a los 70 sin haber escrito ni una sola nota. Es un consuelo muy pobre para mí. Mañana se reúne la comisión para una audición de mi ópera Lady Macbeth. Es la comisión que decidirá si mi ópera puede representarse o no."

Dmitri Shostakovich


"En este momento estoy escribiendo música para una película. Es horrible tener que llegar a esto. Sólo puedo daros un consejo: si alguna vez os encontráis en situación de tener que hacer esto, hacedlo sólo en caso de extrema necesidad, de extrema necesidad."

Dmitri Shostakovich


Pese a las malas experiencias que tuvo en sus años juveniles, trabajando como pianista en una sala de cine mudo, nunca perdió su interés por el cine, y algunos de los mejores frutos de su talento se los dio al cine, porque el medio nunca dejó de fascinarle.

Mstislav Rostropovitch


Recuerdo muy bien su entusiasmo cuando efectuamos la reconstrucción de su partitura para la nueva babilonia. No, tuvo sus más y sus menos con los directores de cine, pero nunca dejó de interesarse por una expresión artística que le permitiría una expresión casi constante. Yo creo que era éste el máximo valor que para él tenía la música de cine, la posibilidad de tentar, o incluso de verse obligado a tentar, mundos diversos, contrapuestos, cada vez que tenía que componer para la banda sonora de una película.

Gennadi Rozhdestvneski


20. MOSCÚ-TCHERKOMINSKI (Opereta)-1958- Op.105


Compositores de talento como los camaradas D.Shostakovich, S.Prokofiev, A.Khatchaturian, V.Shebalin, G.Popov, N.Miaskovski y otros, algunas de cuyas obras presentan tendencias incorrectas, han sido globalmente acusados como representantes de una línea formalista extraña al pueblo (...) Ciertos juicios erróneos emitidos en la citada resolución expresaban la opinión subjetiva de I.V. Stalin acerca de determinadas obras de arte y de la actividad creadora de algunos artistas.

Decreto del Partido de 1958


La opereta Moscú-Tcherkominski fue estrenada en Moscú el 24 de Enero de 1959 y no tardó en alcanzar una gran popularidad. La obra se caracteriza por su armonía, por su frescor y por su humor. No se trata, sin embargo, del humor grotesco de los ballets El perno y El arroyo claro ; es una música alegre y fácil de retener, por lo cual muchas de sus melodías se popularizaron rápidamente en la Unión Soviética.

Krzysztof Meyer


"Entiendo que un compositor que se precie debe probar sus fuerzas en todos los terrenos. Las composiciones populares nada tienen de malo y menos aún de pernicioso. Mozart y Beethoven escribieron composiciones ligeras y nadie se las echa en cara."

Dimitri Shostakovich





21.CUARTETO DE CUERDA Nº8 – 1960 – Op.110


Después del concierto para violonchelo Shostakovich compuso la música para la película germano soviética cinco días-cinco noches. En agosto de 1960, Shostakovich viajó a Dresde para asistir al rodaje. La ciudad aún era una montaña de escombros. Bajo el impacto de esta visión compuso, en un tiempo brevísimo, el octavo cuarteto de cuerda y lo dedicó a las víctimas del fascismo y de la guerra.

Bernd Feuchtner



"He escrito el cuarteto número 8 que no tiene utilidad para nadie y que desde el punto de vista de las ideas es un fracaso. Pensé que, una vez muerto, nadie dedicaría una obra a mi memoria. Así decidí escribir yo mismo esa obra. Se podría escribir en la cubierta: “en memoria del compositor de este cuarteto”. El tema principal del cuarteto está formado por las notas re-mi bemol-do-si, es decir, mis iniciales (D.SCH.). En el cuarteto utilizo temas de mis obras y el canto revolucionario torturado hasta la muerte en la cárcel. Se trata por tanto de una mezcolanza. El carácter seudotrágico de este cuarteto está en que al escribirlo derramé tantas lágrimas como la orina que elimino después de media docena de cervezas. En casa he intentado tocar el cuarteto en dos ocasiones y cada vez que lo he hecho me he puesto a llorar. Pero ya no sólo por sus rasgos seudotrágicos, sino de admiración por la maravillosa claridad de su forma. Tal vez ha desempeñado cierto papel en todo esto una especie de entusiasmo por mi propia persona, que pronto se desvanece y deja una especie de resaca en forma de autocrítica."

Dimitri Shostakovich



Cuando esta nueva composición (el cuarteto número 8) fue discutida en una de las inevitables reuniones de la Unión de Compositores, fue casi de rutina que uno de los críticos, al expresar una opinión favorable a la obra, comenzara su discurso con una frase tópica, que normalmente hubiera pasado desapercibida dentro de los usos comunes soviéticos: “el compositor Shostakovich, en su nuevo cuarteto, junto con toda la Nación Soviética y los trabajadores del mundo entero, protesta con enfado... “; pero aquí Shostakovich le interrumpió, se puso en pie de un salto y empezó a gritar casi histéricamente: “ ¡ No, no, no, soy yo, entiéndalo de una vez, soy yo el que protesta, el que protesta soy yo!¿Se entera usted de que es mi propia protesta, mi protesta? “ Después de esto, aparentemente exhausto, se sentó y no volvió a intervenir en toda la discusión. No sé si este incidente quiere decir algo para un lector occidental, pero sé muy bien que para una persona que viva, o que haya vivido, en la Unión Soviética, este incidente está lleno de significado y arroja la mayor cantidad de luz sobre esta música y su dedicatoria.

Yuri Turovsky






22. CUARTETO DE CUERDA Nº 9 – 1964 – Op.117


El cuarto movimiento (adagio) rompe el flujo de la música, primero con la penetrante repetición del paso de semitono con una lentitud paralizante, después con acordes pizzicato y fortissimo. Esta congelación del movimiento mecánico produce una impresión de absoluta soledad. Tres acordes seguidos de quinta –o cuarta, en su inversión-, fríos y desnudos, crean un ambiente fantasmal: en la sinfonía nº15, ésta será la metáfora de la muerte. A ello se suma un giro declamatorio -¿una llamada, una advertencia?-.

Bernd Feuchtner



23. CUARTETO DE CUERDA Nº11 – 1966 – Op.122



Esta extraña partitura, en siete movimientos encadenados, es el primero de los cuatro cuartetos dedicados a los miembros del Cuarteto Beethoven, los intérpretes y amigos de siempre del compositor. Aquí no hay ninguna voluntad polifónica, ni de potencia Beethoveniana. Como el anterior cuarteto nº7, éste es un poema sin palabras, de siete estrofas. La obra es punzante en su simplicidad melódica, y su carácter de desolación lunar, nocturno por momentos, recuerda más a Schubert que a Berg.

François-René Tranchefort (ed.)


"Cuando yo era más joven hacía este tipo de indicaciones imprudentes, y la gente no dejaba de preguntarme cuándo iba a completar mi ópera El Don Apacible. Nunca la terminé, porque nunca llegué a empezarla. Fue simplemente que, para mi gran pesar, tuve que decir eso para salir de una situación difícil. Ésta es una forma especial de autodefensa en la Unión Soviética. Dices que estás planeando tal o tal composición, algo con un título poderoso, matador. Así no te apedrearán. Y, mientras tanto, escribes un cuarteto o algo parecido para tu propia, pacífica satisfacción. Pero a la administración le dices que estás trabajando en la ópera Karl Marx o Los jóvenes guardias y te perdonarán por tu cuarteto cuando aparezca. Te dejarán solo. Bajo el poderoso escudo de tales “planes creativos” puedes vivir en paz un año o dos."

Dimitri Shostakovich




24. SINFONÍA Nº14 – 1969 – Op.135


"¿Cómo puedes no tenerle miedo a la muerte? La muerte no se considera un tema apropiado para el arte soviético y escribir acerca de la muerte es equivalente a enjuagarte la nariz delante de otras personas. De ahí es de donde provienen títulos como "Una tragedia optimista". Incluso esto es un sinsentido –una tragedia es una tragedia y el optimismo no tiene nada que ver con ello.

Siempre pensé que no estaba solo en mi idea acerca de la muerte y que a otras personas también les atañía, a pesar del hecho de que vivían en una sociedad socialista en la que las tragedias uniformes reciben el epíteto “optimista”. Escribí un buen número de obras reflejando mi visión del tema, y, así al menos me lo parece, no son obras particularmente optimistas. La más importante de ellas, tal y como yo lo siento, es la decimocuarta sinfonía; tengo una especial sensibilidad hacia ella."

Dimitri Shostakovich


Todopoderosa es la muerte,

siempre está en guardia,

somos sus labios sonrientes.

En lo más alto de la vida está vigilándonos,

vive y piensa

y llora con nosotros.


“Conclusión” (Rainer Maria Rilke)


"Me parece que no tengo ninguna composición que no haya sido criticada, pero se trataba de una forma diferente de crítica. Aquí la crítica vino de personas que aseguraban ser mis amigos. Esta es, por entero, otra materia, esa clase de crítica hace daño. Ellos leyeron esta idea en la decimocuarta sinfonía: “la muerte es todopoderosa”. Querían que el finale fuera confortador, algo así como decir que la muerte sólo es el principio. Pero no es el principio, es el fin real, después no va a haber nada, nada."

Dimitri Shostakovich



Los disidentes demandaban acción política más que introspección. El gobierno era para ellos un antagonista mucho más urgente que la muerte. Aún más, la negativa de Shostakovich a poner su firma en las declaraciones políticas de los disidentes fue, tal como ellos lo sintieron, nada menos que una capitulación.

Solomon Volkov



25. REY LEAR (Música para cine)- 1970 – Op.137


"Lo que necesitamos es música ardorosa. No quiero decir ardorosa en el sentido de que haya gráficos en lugar de notas, quiero decir valiente o ardorosa porque sea sincera. Música en la que el compositor expresa sinceramente sus pensamientos, y lo hace de tal manera que el mayor número posible de ciudadanos decentes de su país, y de otros países, puedan reconocer y aceptar esa música, entendiendo por tanto a su país y a su gente. Este es el significado de la composición musical, tal como yo lo veo."

Dimitri Shostakovich


"Doy por perdido a todo artista que se aísle del mundo. No me cabe en la cabeza que un artista quiera apartarse de la gente, de quienes a fin de cuentas son su público. Un artista, en mi opinión, debería estar al servicio del mayor número de personas posible. Yo siempre intento resultar lo más comprensible que puedo, y, si no lo consigo, considero que es un fallo mío."

Dimitri Shostakovich






26. SINFONÍA Nº15 –1971- Op.141


En el pasaje final alegreto volvemos a escuchar el “anuncio de la muerte”. Cuatro acordes atrozmente punzantes interrumpen el flujo de la música. La última fase está marcada por el latido del timbal, que toca fragmentos del tema de la passacaglia. La celesta introduce una nota de frescura. Suena como un reloj de juguete. Pero, al reconocer el tema del primer movimiento, nos estremecemos: al reloj de juguete se le salta un muelle y empieza a repetir y repetir la última figura. Sólo se oye el palpitar del timbal y el tic-tac del mecanismo del reloj. El piccolo intenta tocar lo mismo pero, como el juguete está roto, se atasca en el mismo sitio y también empieza a repetir y repetir. Aún sigue funcionando un rato hasta que una sonoridad plateada pone el punto final a la pequeña máquina moribunda.

Bernd Feuchtner


Y el compositor ¿estaba plenamente satisfecho de su última sinfonía? El intenso trabajo que le exigió esta obra supuso un grave revés para las fuerzas recuperadas en Kurgan. Escribía el 16 de Septiembre profundamente agotado: “Probablemente debería dejar de componer. Pero sin componer no puedo vivir...”. Al día siguiente tuvo que ser trasladado al hospital: acababa de sufrir un segundo infarto.

Krzysztof Meyer


"He trabajado mucho en esta obra. La escribí en el hospital, y después, en mi dacha, no me dejó un momento de tranquilidad. Es una obra que simplemente me ha arrebatado, una de las pocas obras que he tenido claras desde el principio, desde la primera a la última nota. Sólo me faltaba escribirla."

Dimitri Shostakovich



27. 6 POEMAS DE MARIA TSVETAEVA –1973- Op.143 a


"En los últimos años he llegado a convencerme de que la palabra es más efectiva que la música. Por desgracia es así. Cuando combino música con palabras, se hace más difícil malinterpretar mi intención."

Dimitri Shostakovich







El infierno-

el salón del zar.

¿Quién es ese inflexible

sujeto de mármol?


tan majestuoso

en un manto dorado

el compasivo gendarme

de la gloria de Pushkin.


Él desacreditó al autor

Él podó su obra.

El bestial carnicero

de la tierra polaca.


Mire cuidadosamente:

no lo olvides:

El asesino del cantor

El zar Nicolás

el primero.

“El poeta y el zar” (Marina Tsvetaeva)


En Julio, inmediatamente después de volver de Estados Unidos, Shostakovich pasó una temporada de descanso en su dacha de Shukova, donde leyó a fondo la poesía de Marina Tsvetaeva. A principios de Agosto escribió en una semana el ciclo vocálico “6 romanzas sobre textos de Marina Tsvetaeva”. Era una música acusadamente intelectual y ascética. Las emociones se ocultan en otro plano, en tanto que los medios empleados son muy limitados y extremadamente simples.

Krzysztof Meyer



28. SONATA PARA VIOLA – 1975 – Op.147


"Gracias por acordarte de mí, gracias por tu carta. He vuelto al hospital por mis complicaciones cardiopulmonares. Mi mano derecha ya no escribe más que con un enorme esfuerzo. Le ruego que me disculpe esta letra tan mala. (...) Saludos cordiales de Dimitri Shostakovich.




P.D: Aunque me ha resultado muy difícil, he logrado acabar la sonata para viola y piano."