lunes, 20 de octubre de 2014

Arvo Pärt






       Arvo Pärt es un compositor estonio. Nació el 11 de septiembre de 1935 en Paide (Estonia). Se le identifica con la música minimalista y más específicamente con el «minimalismo sacro». Es considerado un pionero en este estilo, como sus contemporáneos Henryk Górecki y John Tavener. Arvo Pärt es más conocido por las obras de su segundo período compositivo (trabajos corales).

       La educación musical de Pärt comenzó a los siete años de edad. A los catorce o quince años escribió sus primeras composiciones. Mientras estudiaba composición en el conservatorio de Tallinn se decía de él que "cuando se sacudía las mangas se le caían las notas". En ese tiempo tuvo muy pocas influencias desde fuera de la Unión Soviética, tan solo algunas grabaciones y partituras ilegales.

      Aunque en el momento de su nacimiento Estonia era un estado independente, la URSS ocupó el país en 1940 como resultado del pacto Mólotov-Ribbentrop (entre la Unión Soviética y el Tercer Reich) y el país permaneció bajo el control de la Unión Soviética (excepto un período de tres años bajo ocupación alemana) durante 51 años.

      La obra de Pärt generalmente se divide en dos periodos. Sus primeros trabajos partieron de un neoclasicismo bastante severo (influido por Shostakovich, Serguei Prokofiev y Bela Bartók). Luego empezó a componer usando el dodecafonismo y el serialismo de Arnold Schoenberg. Sin embargo, esto no sólo atrajo la ira de los burócratas culturales soviéticos, sino también demostró ser un callejón creativo sin salida.

      El compositor Paul Hillier dice acerca de este periodo: «Llegó a un punto de completa desesperación en el cual la composición de música le parecía el más inútil de los gestos, y le faltaba la fe musical y la fuerza de voluntad para escribir una sola nota». Esto debe de ser una exageración, ya que durante esa época compuso su Tercera Sinfonía (de 1971, de estilo transicional). Sin embargo es claro que Pärt experimentó una profunda crisis personal. Su respuesta fue sumergirse en la música antigua, es decir, volver a las raíces de la música occidental. Estudió canto llano, canto gregoriano y las primeras apariciones de la polifonía en el Renacimiento. Al mismo tiempo comenzó a explorar la religión y se unió a la rígida Iglesia ortodoxa rusa, indicando que quizá su crisis no era exclusivamente musical, sino también espiritual.

      La música que produjo en esta época, a partir de 1976, fue radicalmente diferente. Pärt la describe como “tintineante” (tintinnabular) como el tañir de campanas. La música se caracterizaba por armonías simples, frecuentemente notas sueltas sin adornos, o acordes triádicos (los cuales formaron la base de la armonía occidental). Hay alguna reminiscencia al sonido de las campanas (de ahí el nombre). Los tintinábulos son rítmicamente simples y no cambian el tempo. Es clara la influencia de la música antigua en estas obras. Otra característica de las últimas obras de Pärt es que tienen textos sagrados (aunque la mayoría de las veces elegía el latín o la lengua eclesiástica eslava que se usa en la liturgia de la iglesia ortodoxa en vez de su lengua materna (el idioma estonio).

      La prolongada lucha con la oficialidad soviética le llevó a emigrar con su mujer y sus dos hijos en 1980. Vivió en Viena y en Berlín. Volvió a Estonia en el año 2000 y desde entonces vive en Tallín.

      Pärt es más conocido por sus últimas obras, y es un caso infrecuente de compositor moderno que alcanza la popularidad en vida. Pärt ha dicho que su música es similar a la luz que pasa a través de un prisma: la música puede tener un significado ligeramente diferente en cada oyente, creando un espectro de experiencias musicales, similar al arco iris.


(Extractado de Wikipedia)

      En este caso, dado que el compositor está vivo y en activo, está claro que el presente C.D. está, por definición, incompleto. Por eso su duración no se ajusta a los 80 minutos, como es lo usual en esta serie, sino que he dejado un espacio para incluir sus futuras obras.

      Para la cronología he seguido el estudio de Onno van Rijen complementado con la edición actualizada de arvopart.info.







ARVO PÄRT (1935...)


 1957  4 Danzas Fáciles para Piano (Música para Teatro Infantil)
               Caperucita y el Lobo
2   1959  'Nuestro Jardín'  Cantata para Coro de Niños y Orquesta
                II. Andantino Cantabile
3   1960  'Nekrolog' para Orquesta - Introducción
4   1963  Sinfonía nº1 'Polifónica' - Preludio y Fuga
               2ª, 3ª y 4ª Secciones
5   1964  'Diagramas' para Piano - nº2
6   1966  Sinfonía nº2 - 3. Negra=48-60 - 2ª Sección
7   1968  'Credo' para Piano, Coro mixto y Orquesta - Sección central
8   1971  Sinfonía nº3  - III Alla breve - 1ª Sección
9   1976  Para Alina (para Piano)
10 1977  Cantata Domino Canticum Novum (Salmo 95)
11 1980  'Fratres' para Violín y Piano - 1ª a 5ª Secciones-
12 1982  Passio Domini nostri Jesu Christi (La Pasión según San Juan)
               Et ex illa hora accepit
13 1985  'Psalom' para Cuarteto de Cuerda
14 1988  'Magnificat Antiphonen' para Coro - O Konig aller Volker
15 1991  'Summa' para Orquesta de Cuerdas
16 1994  'Concerto Piccolo sobre B-A-C-H' para Trompeta - 1.Preciso
17 1996  'Puedo yo...'  para Violín y Orquesta de Cuerdas
18 1997  'Canon de Penitencia' para Coro - Oda 1 - 1ª Sección
19 2000  'Como Cierva Sedienta'
                para Soprano, Coro Femenino y Orquesta - IV
20 2002  'In Principio' para Coro y Orquesta - Fuit homo missus a deo
21 2004  'El Abad Agathon' para Soprano y Octeto de Chelos
                2ª Sección
22 2006  'Para Lennart in Memoriam' para Orquesta de Cuerdas
                1ª Sección
23 2008  Sinfonía nº4 'Los Angeles' - III. Deciso - Última Sección
24 2010  'El Lamento de Adán' para Coro y Orquesta - Alleluja Tropus
25 2012  'Virgencita' para Coro -  Sección final
                
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miércoles, 8 de octubre de 2014

Claude Debussy


      File:Claude Debussy by Marcel Baschet 1884.jpg


     Claude-Achille Debussy fue un compositor francés. Junto con Maurice Ravel, fue una de las figuras más prominentes de la música impresionista, aunque al propio compositor no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones.

     En algunas estancias en Cannes, en casa de su querida tía y madrina Clementina Debussy, recibió sus primeras lecciones de piano en 1870 y 1871. Desde entonces, siempre destacó en sus estudios, llegando a ganar el gran "Premio de Roma" con la cantata "El hijo pródigo", que le proporcionó una pensión con estancia de tres años en la Villa Mèdicis.

      Debussy llegó a Roma el 26 de enero de 1885. Allí Descubrió la música de Palestrina y Lasso. Interpretó a cuatro manos y analizó muchas partituras antiguas y contemporáneas, entre ellas el Tristán e Isolda de Wagner, que tendría una gran influencia sobre él. Después de la fase Wagneriana, empezó a interesarse por la música no occidental, sobre todo por el gamelan de Java, que escuchó en la exposición de París de 1889. Debussy no estaba interesado en citar la música no occidental en sus composiciones, sino en usar esta influencia para darle forma a su estilo musical único.

     Sus innovaciones estilísticas fueron muchas y variadas: pasajes centelleantes que distraen de la ocasional ausencia de tonalidad, acordes paralelos (absolutamente prohibidos en la armonía tradicional), acordes bitonales, escalas de tonos enteros o pentatónicas, modulaciones abruptas...incluso se considera el primero en usar la proporción áurea para algunas de sus composiciones.

      Para Boulez, el verdadero precursor de la música contemporánea es Claude Debussy, y no la tríada "Igor Stravinski-Arnold Schönberg -Béla Bártok": sin su obra no se entendería no sólo la de Ravel, sino tampoco la de Edgar Varèse u Olivier Messiaen. Fue Debussy quien, al romper con la forma clásico-romántica de su tiempo, descubrió un lenguaje musical nuevo, libre, oscilante, abierto a otras posibilidades. Un lenguaje que, aunque tenía su origen en Wagner, establecía una alternativa diferente al modelo propuesto por éste en todos los parámetros que rigen la composición musical. A pesar de ello, no hay que ver en Claude Debussy un artista iconoclasta que reacciona contra el legado del pasado: la tradición, sobre todo la del barroco francés, reviste una trascendental importancia en su música, particularmente en sus últimas composiciones.



CLAUDE DEBUSSY (1862 - 1918)

1.  1879 Trío en Sol menor - Finale - Primera Sección
2.  1880 'Bella Tarde' (Canción) Letra: P.Bourget
3.  1882 'La Primavera', para Coro de Mujeres y Orquesta.
               Letra: Comte de Segur
4.  1884 'El Hijo Pródigo' (Escena Lírica) Letra: Edouard Guinand
5.  1886 Pequeña Suite para Piano a 4 Manos - Cortejo
6.  1887 'Primavera' (Suite Sinfónica) - I.Muy Moderado - Introducción
7.  1889 Dos Arabescos para Piano - nº1
8.  1890 Fantasía para Piano y Orquesta - Sección Final
9.  1891 'Dos romances de Bourget' - Las Campanas
10.1893 Cuarteto de Cuerda en Sol - Andantino - Sección Central
11.1894 'Preludio a la Siesta de un Fauno' para Orquesta - Primera Sección
12.1895 'Pelleas y Melisande' (Ópera) - Acto I, Escena 2 -Yo No he dicho Nada.
               Letra: Maurice Maeterlinck
13.1896 Suite 'Para el Piano' - Sarabande
14.1899 'Nocturnos', para Orquesta - Sirenas - Primera Sección
15.1900 'Canciones de Bilitis'- Canto Pastoral. Letra: Pierre Louys
16.1903 'Estampas' para Piano - Jardines bajo la Lluvia
17.1905 'El Mar'(Tres Bosquejos Sinfónicos) - Diálogo del Viento y el Mar - Final
18.1906 Rapsodia para Saxo y Orquesta - Final
19.1908 3 Canciones de Charles D'Orleans - Cuando oí el Tamboril
20.1909 Preludios, para Piano - Libro 1º - El Viento en la Llanura
21.1910 Pequeña Pieza para Clarinete y Piano
22.1911 'El Martirio de San Sebastián' (Misterio)El Concilio de los Falsos Dioses. 
               Letra: Gabriele D’Annunzio
23.1912 'Juegos' (Poema Danzado) - Primera Sección
24.1913 'Syrinx', para Flauta
25.1915 Sonata para Piano y Violonchelo - Prólogo
26.1917 Sonata para Violín y Piano - Finale (Muy animado)    


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premier trio; beau soir; le printemps; l'enfant prodigue; petite suite; printemps; deux arabesques; fantaisie; deux romances; premier quatuor; prélude à l'apres-midi d'un faune; pelléas et mellisande; suite: pour le piano; nocturnes; chansons de bilitis; estampes; la mer; rapsodie; trois chansons de Charles d'Orleans; préludes; petite piece; le martyre de St sébastien; jeux; syrinx; sonata pour piano et violoncelle; sonata pour violon et piano;

lunes, 28 de julio de 2014

Henry Cowell


     Henry Cowell fue una de las figuras más importantes en la música americana del siglo XX. Nacido en Menlo Park, California en 1897 en una familia de filósofos anarquistas, fue reconocido enseguida como un niño excepcionalmente dotado.  Desde una edad temprana (5 años) estudió el violín y llegó a dominar el piano. De su padre obtuvo el interés por la cultura y la música irlandesa. Educado en casa por su madre, recibió poca educación formal hasta que, a la edad de diecisiete años, tuvo la suerte de ser enviado a estudiar con Charles Seeger, quien de inmediato reconoció las extraordinarias dotes de Cowell, y tomó al joven bajo su ala. Seeger presentó a Cowell las últimas técnicas de composición modernista de Europa y los Estados Unidos. 

     En 1916 hizo su primera composición con 'clusters' en el piano, invención que explotaría con gran éxito durante los siguientes años ('El arpa de la vida'). Durante la década de los 20, daría conciertos por todo EE.UU. con sus composiciones para piano, exploraciones de la atonalidad, de la politonalidad, de la polirritmia, y de modos no occidentales. Además, Cowell tenía otras invenciones. Fue el primero en tocar el piano rasgueando las cuerdas ('Arpa eólica'). Fue el primero en pasar su uña a lo largo de una cuerda del piano, produciendo un extraño llanto, como si fuera el lamento de un fantasma ('El hada de la muerte').

     En su libro “Nuevos recursos musicales”, se encuentra su invento más significativo de todos: inventó un nuevo enfoque del ritmo que dividía la medición en muchas diferentes divisiones iguales, lo que permitía que varios tiempos fueran tocados a la vez ('Cuarteto eufométrico').

     También fue el primero en lidiar con la aleatoriedad: por ejemplo, en 'Danza enojada', daba instrucciones al pianista para repetir una sección "tantas veces como su enfado se lo permita", y en 'Advertencia', que Cowell subtituló "sátira sobre advertencias repetitivas de naturaleza estridente", hay una frase que puede ser repetida, para enfatizar el absurdo, las veces que el intérprete quiera.

     Cowell, que era bisexual, fue arrestado y condenado por cargos morales en 1936, y pasó cuatro años en San Quintín, donde enseñaba música a los presos, dirigió la banda de la prisión y compuso unas 60 obras. Pero la condena tuvo un efecto devastador sobre él, se volvió más reservado y empezó a componer de un modo más tradicional. El conjunto de sus 18 'Himnos y melodías fugadas' están basadas en temas populares americanos. Pero aunque dejara la radicalidad, continuó siendo el líder en la incorporación de lenguajes musicales no occidentales ('Serie Persa').

HENRY COWELL  (1897-1965)

1   1914 - 'Danza Enojada' para Piano
2   1916 - Cuarteto de Cuerda nº1 'Pedante' - Andante
3   1917 - 'Advertencia' para Piano
4   1919 - Cuarteto de Cuerda 'Eufométrico'
5   1922 – ‘9 Gerundios’ para Piano - Efímero
6   1923 – ‘Arpa Eólica’ para Cuerdas de Piano
7   1926 – ‘Atlantis’ -  El Triunfo del Monstruo del Mar
8   1928 - Suite Irlandesa para Piano y Orquesta de Cámara - El hada de la Muerte
9   1931 - 'Danza del Deporte' para Orquesta
10 1933 - 6 Desarrollos Casuales para Clarinete y Piano - Allegretto con Moto
11 1936 - Dos Canciones sobre Poemas de Catherine Riegger - Descanso
12 1938 - 'Toccanta' – 5.Allegro
13 1939 - 'Pulso' para 6 percusionistas
14 1940 -  4 Cuentos Irlandeses para Piano y Orquesta - El Arpa de la Vida
15 1942 - Himno y Melodía Fugada nº2 - Himno
16 1945 - 'Concerto Piccolo' para Piano y Banda
                Allegretto, piu Mosso
17 1947 - Himno, Coral y Melodía Fugada nº8 para CuerdasFuga
18 1948 - Sinfonía nº5 - Con Moto -1ª Sección
19 1951 - 'Porque el Gato' (para Voz y Piano)
20 1952 - 'Serie de 5' para Violin, Piano y Percusión - Largo Sostenuto
21 1954 - Sinfonía nº 11 '7 Rituales' - vii Andante
22 1956 - Cuarteto de Cuerda nº5 - 1º Movimiento
23 1957 – ‘Serie Persa’ – Rondó
24 1958 - 'Dulce fue la canción que la Virgen cantó'
                  Para Coro y Órgano
25 1959 - 'Rondó Iridiscente en Viejos Modos' para Acordeón
                 1ª Sección
26 1960 - Sinfonía nº 15 'Tesis' -  Andante
27 1962 - Sinfonía nº 16 'Islándica' - Moderato con Moto
28 1964 - Himno y Melodía Fugada nº18 para dos Saxos - Himno
        

mp3 a 320 kbps:

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Anger dance (Henry Cowell); String quartet no.1 (Pedantic) (Colorado string quartet); Advertisement (Henry Cowell); Quartet euphometric (Kronos Quartet); Nine ings (Joseph Kubera); Aeolian harp (Carles Santos); Atlantis (Heather Buck, Elise Quagliata, Jonathan Hays, American symphony orchestra, Leon Botstein); Irish suite (Continuum, Cheryl Seltzer); Competitive sport (California Parallèle Ensemble); 6 casual developements (Joel Sachs, David Krakauer); 2 Songs: Rest (Raymond Murcell, Cheryl Seltzer); Toccanta (Madison Smith, Sarah Holzman, Hannah Addario-Berry, Sarah Cahill); Pulse (The Kroumata percussion ensemble); 4 irish tales/tales of our countryside - The harp of life (Stefan Litwin, Radio Symphony orchestra Saarbrücken, Michael Stern); Hymn and fuguing tune no.2 (Boston Symphony Orchestra, Serge Koussevitzky); Little concerto/concerto piccolo(??); Hymn, chorale and fuguing tune no.8 (Northwest chamber orchestra); Symphony no.5 (American recording symphony orchestra, Dean Dixon); Because the cat (Mary Ann Hart, Jeanne Golan); Set of five (Joel Sachs, Marilyn Dubow, Gordon Gottlieb); Symphony no.11 (The seven rituals of music) (Louisville Orchestra, Robert Whitney); String quartet no.5 (Colorado string quartet); Persian set (Leopold Stokovski and his orchestra); Sweet was the song the Virgin sung (Kansas city chorale); Iridescent rondo in old modes (Guy Klucevsek); Symphony no.15 (Thesis) (Louisville Orchestra, Robert Whitney); Symphony no.16 (Icelandic)(Iceland Symphony Orchestra, William Strickland); Hymn and fuguing tune no.18 (Paul Cohen).

miércoles, 2 de abril de 2014

Satie por Otros


          No es de extrañar que Erik Satie, después de Bach, sea uno de los músicos más versionados del mundo. Ya en vida de él, numerosos compositores franceses, que lo admiraban tanto por la belleza y simpleza de su música como por el desprendimiento de su carácter (en especial su rechazo a las normas y a las modas), transcribieron para orquesta algunas de sus obras para piano. Pero es que el "adamismo" musical que profesaba se presta especialmente a ello. Ajeno a la variación, completamente opuesto al desarrollo, sus obras son minúsculas y fugaces. Mientras que el compositor normal, cuando descubre una melodía genial, la adorna, la acompaña, la embellece, la repite, la expande, esto es, la retiene todo lo que puede, Satie derrocha su material, a veces apabullando al oyente, demasiado acostumbrado a que el músico le ofrezca su genialidad rodeada de almohadones. Así, su música parece un continuo sketch, está desnuda, como si hubiéramos llegado a la esencia misma de la música. al átomo de la composición musical. Es por esta cualidad única del compositor por lo que podemos vestir esas melodías con los más dispares ropajes, y ya en el siglo XXI, cuando la línea entre la música culta y la popular se difumina, ¡qué dispares son!. ¿Cómo puede dar la misma melodía para hacer jazz, new age, música klezmer o heavy metal...?¿Qué extraña ambigüedad puede hacer que músicos tan dispares de todo el mundo encuentren inspiración en una insignificante pieza para piano de hace un siglo?...

         De la ingente cantidad de versiones de obras de Satie he seleccionado estas 54 piezas que, repartidas en 2 cd's, nos irán sorprendiendo a medida que avancen. Entre las composiciones más versionadas de Satie se encuentran, a una diferencia abismal, la gymnopedie nº3 y la gnossienne nº1. Las escucharéis repetidamente, intercaladas entre otras diferentes, y puede que al principio no las reconozcáis, pero luego asistiréis atónitos a su transformación.

SATIE POR OTROS : VOLUMEN  I

1 Sarband - Chanson Medievale
2 Richard Jones – Gymnopedie nº1
3 The reptile palace orchestra - Gnosienne nº1
4 Steve Hackett - Tres piezas frias - Aires para hacer huir 1
5 The Camarata Contemporary Chamber Orchestra - 5 muecas
6 Thomas Dutronc - Gnossienne nº1
7 Amarcord Wien - Gnossienne nº5
8 Akira Rabelais - Sarabande nº2               
9 Thomas Wilbrandt - Sarabande nº3
10Tom Beek - Gnossienne nº4
11 Valto Laitinen, The Syntonic Orchestra - Gnossienne nº3
12 Fred-Èrik Sauvé (stick) - Gnossienne nº2
13 Stéfane Mellino - Gnossienne nº1
14 Klezmer Nutcracker - Gymnopedie nº3
15 Yuko Ikoma - Pequeñas declaraciones infantiles - Vals del chocolate con almendras
16 Willem Breuker Kollektief, Mondriaan Strings - Parade - Acróbatas
17 Akira Rabelais - Niñerías Pintorescas - Nana
18 Amarcord Wien - Petit ouverture a danser
19 Catherine Marchese, Emile Naoumov - Deportes y diversiones - Ir en yate
20  Duplessy and the 3 violins of the world - Gnosienne nº1
21 Cobla Mediterránia - Los tres valses distinguidos del preciosista disgustado
22  Mauro Bruno - Gymnopedie nº1
23  Dan Willis and Velvet Gentlemen - Nocturno nº3
24  Richard Galliano - Gnossienne nº3
25  Dúo Salterio - Edwin Kammerer - Piezas Frías - Danzas de través - Mirándolo dos veces.



SATIE  POR OTROS : VOLUMEN  II


1 Claude Debussy - Gymnopedie nº3
2 John Lanchbery, Orchestra of the royal Opera House - Gnossienne nº1
3 Francis Poulenc - Jack-in-the-box - Preludio
4 Easley Blackwood - Je te Veux (Yoshikazu Mera - contratenor)
5 Teodoro Anzellotti - Gnossienne nº 5
6 Ma.Gr.Ig.Al - Nocturno nº1
7 Companyia Elèctrica Dharma - Gnossienne nº1
8 Klezmer Nutcracker - Gnossienne nº3
9 Dan Willis and Velvet Gentlemen - Penúltimos Pensamientos - Alborada
10  Gallo and the Roosters - Piezas frias- nº1
11  Kursk - Gnossienne nº1
12  Amarcord Wien - Ojiva nº1
13  BCR - Gymnopedie nº3
14  Triste Sire - Gnossienne nº1
15  Sarband – Hiimno para el 'Salut Drapeau' del Sar Peladan
16  Julia Thornton - El hijo de las estrellas - La Iniciación
17  Pierre Laniau - Pequeñas declaraciones infantiles -
Lo que dice la pequeña princesa de los tulipanes 
18  Jean Pierre Baraglioli - Penúltimos Pensamientos - Idilio
19  Lajos Lencsés, Gisèle Herbert - Gymnopedie nº2
20  Mark Bird, Peter Kraus - Gnosienne nº6
21  Jacques Burtin, Michel Michalakakos - Pecadillos inoportunos - Comerle su tostada
22  Patricia Escudero - Pecadillos Inoportunos –
Estar celoso de su compañero que tiene una gran cabeza
23  Pierre Laniau - Pecadillos inoportunos –
Aprovecharse de que tiene callos en los pies para robarle su aro
24  José Serebrier - Deportes y diversiones - Tango perpétuo
25  Peter Fletcher - Ragtime parade
26  Melonious Quartet - Tres fragmentos en forma de pera -
Lentamente
27 Teodoro Anzellotti - Penúltimos pensamientos - Meditacion
28 Octuor á vents Nepomur - La bella excéntrica –
Can-can Grand-Mondain
29 Patricia Escudero - Pequeñas declaraciones infantiles –
El canto de guerra del rey de las habichuelas
        

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viernes, 11 de octubre de 2013

John Adams




       Compositor y director de orquesta estadounidense, uno de los más conocidos y más a menudo interpretados en su país.

       El primer recuerdo musical de John Adams es estar sentado en la sala de estar de su casa de Nueva Inglaterra escuchando grabaciones. Como ha observado «crecí en una casa donde Benny Goodman y Mozart no estaban separados». Cuatro décadas más adelante, sigue siendo esa apertura a cada variedad de música —estadounidense y europea, vieja y nueva, arte «elevado» o pop «vulgar»— lo que hace que las composiciones de John Adams sean tan distintas.

       No fue hasta su encuentro con el minimalismo, a mediados de los años setenta, cuando encontró una solución a su dilema creativo. Incluso hoy día, habla del minimalismo como «el único desarrollo estilístico realmente interesante e importante  de los últimos treinta años» 

        Adams tomaría el minimalismo en una dirección muy diferente de la de Steve Reich o de Philip Glass. Menos interesado que ellos en la música no-occidental, Adams transforma las técnicas minimalistas poniéndolas al servicio de un lenguaje musical mucho más emocional. Rechaza el impersonalismo mecánico del primer minimalismo, exigiendo un grado de cambios más rápido, mostrando una gama «impura» de posibilidades estilísticas. En 1985 dijo: «Estoy intentando incorporar los aspectos trágicos de la vida en mi obra, que es algo que el minimalismo realmente no ha podido hacer todavía».

        Adams en sus obras de madurez ha enriquecido la energía rítmica del minimalismo con una paleta de colores armónica extraordinaria, con una fértil imaginación orquestal, y con una influencia evidente del romanticismo tardío. Además, ha usado referencias de muchos estilos del siglo XX, tanto pop como «serios».

JOHN ADAMS  (1947- ...)

1    1971 'Heavy Metal' para Cinta - Comienzo
2    1973 'Standards Americanos'
                 Fervor y Actividad Religiosa - 1ª Sección
3    1977 'Puertas de China' para Piano
4    1980 'Harmonium' para Coro y Gran Orquesta
                 Amor negativo - 1ª Sección
5    1982 'Música Gran Pianola' - En la divisoria dominante
                 Sección final
6    1985 'Tromba lontana' (Fanfarria para Orquesta)
7    1987 'Nixon en China' (Ópera)
                 Acto II - Vaya día! Pensé que moría!
8    1989 'Eros Piano' (Para Piano y Orquesta) - 1ª Sección
9    1992 'Viento de los Roques' (Composición MIDI)
                 Canción de los Turistas
10   1994 'Libro de Juan de supuestas danzas'
                 (para Cuarteto de Cuerda y sampler) - Martillo y cincel
11   1995 'Estaba mirando al techo y entonces ví el cielo'
                  (Ópera pop) - Canción del altercado in-situ
12   1996 'Scratchband' (Para Conjunto Amplificado)
                  1ª Sección
13   1997 'Pianolas del Siglo' (Concierto para Piano y Orquesta)
                   Mov I - Sección central
14   2000 'El Niño' (Oratorio de Navidad) - El sueño de José
15   2003 'Mi padre conoció a Charles Ives' (para Orquesta)
                   El Lago
16   2006 'Un Árbol en Flor' (Ópera) - Acto I - Escena 3
                   Audiencia con el Rey
17   2009 'Ciudad Noir' (para Orquesta) - Sección central
18   2012 'El Evangelio según la otra María' (Ópera) - Acto II - Obertura



Heavy Metal (tape); American Standards - Christian Zeal and Activity (Edo De Waart, San Francisco Symphony Orchestra); China Gates (Jenny Lin); Harmonium (San Francisco Symphony & Chorus, John Adams); Grand Pianola Music (Teresa Shaw, Dawn Upshaw, Judith Rees, Nicole Tibbels, John Alley,  London Sinfonietta); Tromba lontana (Hallé Orchestra,  Edo De Waart,  Glenn Fischthal); Nixon in China (Edo De Waart, Orchestra Of St. Luke's); Eros piano (Paul Crossley, Orchestra Of St. Luke's, John Adams); Hoodoo Zephyr (MIDI); John's book of alleged dances (Kronos Quartet); I Was Looking At The Ceiling And Then I Saw The Sky (Kari Tenkanen, Grant Gershon, Jari-Pekka Karvonen, Hannu Rantanen, Jari Nieminen, Marja Mutru, Markku Tabell, Seppo Kantonen, Janne Murto); Scratchband (New Music ensemble, Nicole Paiement); Century rolls (Emanuel Ax, Cleveland Orchestra, Christoph von Dohnányi); El Niño (Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Kent Nagano); My father knew Charles Ives (BBC Symphony Orchestra, John Adams); A flowering tree (London Symphony Orchestra, Schola Cantorum Caracas, John Adams); City Noir (Gustavo Dudamel, Los Angeles Philharmonic); The Gospel according to the other Mary (Gustavo Dudamel, Los Angeles Master Chorale, Los Angeles Philharmonic)